¿Qué es el Pop Art y sus representantes?

Arte pop merkmale

El arte pop es un movimiento artístico que surgió en la década de 1950 y floreció en la de 1960 en Estados Unidos y Gran Bretaña, inspirándose en fuentes de la cultura popular y comercial. Diferentes culturas y países contribuyeron al movimiento durante los años 60 y 70

Surgido a mediados de la década de 1950 en Gran Bretaña y a finales de la misma en Estados Unidos, el arte pop alcanzó su punto álgido en la década de 1960. Comenzó como una revuelta contra los enfoques dominantes del arte y la cultura y las opiniones tradicionales sobre lo que debía ser el arte. Los jóvenes artistas sentían que lo que se les enseñaba en la escuela de arte y lo que veían en los museos no tenía nada que ver con sus vidas ni con las cosas que veían a su alrededor cada día. En su lugar, recurrieron a fuentes como las películas de Hollywood, la publicidad, los envases de productos, la música pop y los cómics para obtener sus imágenes.

El arte pop es: Popular (diseñado para un público masivo), Transitorio (solución a corto plazo), Prescindible (se olvida fácilmente), De bajo coste, Producido en masa, Joven (dirigido a la juventud), Ingenioso, Sexy, Gimmicky, Glamuroso, Gran negocio

Artistas de arte pop

La pareja de artistas Coosje van Bruggen y Claes Oldenburg colocaron un cono de helado invertido de gran tamaño en el tejado de la recién construida galería comercial de Neumarkt. La obra pretendía retratar una “cornucopia del consumismo”, siendo al mismo tiempo un “signo de fugacidad”. Como conocidos representantes del arte pop, los artistas han instalado grandes proyectos de miedo en espacios públicos desde la década de 1970. Estas obras presentan objetos comunes que han sido ampliados, haciéndolos parecer extraños, y reinterpretándolos en términos de forma y contenido.

Dropped Cone también hace referencia a su ubicación de varias maneras: Inspirándose en las numerosas figuras con forma de helado que se utilizan para la publicidad delante de las heladerías de Colonia, retomaron el tema y le dieron la vuelta. El imponente cono crea un paralelismo formal con las torres de las iglesias que dominan el horizonte (especialmente desde la catedral). Así, la Neumarkt-Galerie ha sido reinterpretada como una iglesia del consumo, mientras que el helado que se derrite (que acabaría manchando los escaparates de los grandes almacenes) representa la fugacidad del consumismo. Sin embargo, los artistas no son didácticos con su contenido, sino que lo incorporan con humor en una imagen colorida y alegre.

La revolución del arte pop

“el profano e incluso el coleccionista bien informado a menudo no han comprendido el significado y la finalidad del [arte pop]. De hecho, se ha sugerido cínicamente que su propósito es totalmente oportunista”

El periodo clásico del arte pop puede situarse entre 1956 y 1968, aunque nunca fue un movimiento organizado ni un único grupo de artistas. El arte pop se basó en la imaginería de la cultura popular, por ejemplo la publicidad o los cómics, y surgió en el paisaje urbano de Londres y Nueva York. Nunca estuvo exento de duras críticas; de hecho, siempre fue despreciado por los críticos, pero amado por las masas populares[1].

Este ensayo va a examinar el significado y la finalidad del arte pop a la luz de la cita crítica presentada anteriormente. Las observaciones realizadas se aclararán a partir de las obras de Andy Warhol (1928-1987) y Roy Lichtenstein (1923-1997), dos de los principales representantes del arte pop estadounidense.

En el siglo XX surgió un nuevo mercado del arte en el que participaban cada vez más coleccionistas o particulares, que disponían de dinero para comprar obras de arte para sus hogares. Los precios aumentaron notablemente, las exigencias y los desafíos al arte cambiaron. El interés de las masas por el arte aumentó, lo que inevitablemente hizo que el arte formara parte de una nueva industria del arte y el entretenimiento y, por tanto, cuestionó el término tradicional de arte. El arte -en general- tuvo que reaccionar. Y los artistas reaccionaron de diferentes maneras: algunos se negaron a aceptar los cambios; otros -especialmente los artistas Pop- decidieron aprovechar esas tendencias. Aquí es donde tiene su origen la acusación de oportunismo declamada por Edward T. Kelly. El término “oportunista” tiene una connotación demasiado negativa. Un oportunista es un “aprovechado” que hace uso de cualquier oportunidad favorable y ventajosa sin tener en cuenta las consecuencias, especialmente por razones económicas. El arte pop se infiltró “en la maquinaria publicitaria y en el mercado como estrategia deliberada”[2] Al dirigirse no sólo al público elitista del arte, sino a toda la sociedad, abrió nuevas posibilidades para ganar visibilidad y personalizar el arte a un grupo objetivo más amplio.

Historia del arte pop

Roy Lichtenstein, uno de los primeros nombres del arte pop que alcanzó gran notoriedad, se convirtió rápidamente en una figura destacada del movimiento. Su obra se inspiraba principalmente en los cómics, y aunque a menudo recibió críticas negativas de banalidad y falta de originalidad, definió la premisa básica del Pop Art a través de la parodia. Las imágenes icónicas y de gran impacto de Lichtenstein revolucionaron el Pop Art y el Arte Moderno. Apartándose del dominante Expresionismo Abstracto, que se centraba en los temas trágicos del alma de los artistas, Roy encontró su inspiración en la cultura circundante, y no a través de la exploración de los sentimientos individuales del artista. Construyó un importante cuerpo de trabajo a partir de imágenes reproducidas en masa, que provocaron interminables debates sobre las nociones de originalidad, consumismo y exploraron la fina línea entre el arte y el entretenimiento. Este fue precisamente uno de los principios más destacados del Pop Art, que se centró en la exploración de todas las formas de comunicación y los mensajes a través de códigos o del lenguaje.