¿Qué fue el arte del siglo 20?

Artistas famosos del siglo XX

Cuando llegó el siglo XX, los artistas tenían todas las razones para creer que estaban entrando en una era moderna totalmente nueva y única. Filósofos como Henri Bergson estaban ampliando y colapsando nuestro concepto del tiempo, y las teorías de Sigmund Freud estaban abriendo nuevos caminos a segmentos inexplorados de la mente humana. La revolución industrial del siglo XIX trajo consigo medios de transporte modernos como el automóvil, el avión y el ascensor eléctrico, que fueron de la mano de la construcción de acero y vidrio para dar a luz al rascacielos, el emblema de la ciudad moderna. La vida nunca había sido tan rápida.

Este momento embriagador, evidenciado tanto en la cultura intelectual como en la popular, llevó realmente a los artistas a creer que formaban parte de un proyecto para inventar un nuevo lenguaje visual para el mundo moderno y, al mismo tiempo, cuestionar las ideas preexistentes sobre lo que el arte podía y debía ser. A menudo, esta postura se radicalizó aún más por los acontecimientos históricos y la invasión de la afiliación política. En Rusia, la Revolución Soviética de 1917 cambió el tenor y la motivación de una vanguardia ya naciente. En México, la Revolución de 1910-20 fue el catalizador de un movimiento totalmente nuevo. En Alemania, la Revolución de Weimar de 1918 abrió un espacio ideológico para la formación de la Bauhaus. La Gran Depresión en Estados Unidos disminuyó la capacidad adquisitiva de ciertos mecenas y creó nuevas condiciones para el arte en la década de 1930. Y, por supuesto, la Primera Guerra Mundial (1914-8) y la Segunda Guerra Mundial (1939-45) tuvieron repercusiones asombrosas para el arte y la vida en todo el mundo. Dado que nuestra conferencia sobre el Arte desde 1950 (Parte I) genera en gran medida en la esfera posterior a la Segunda Guerra Mundial, cronológicamente, esta conferencia termina más cerca de 1945.

Estilo artístico sencillo

En el siglo XX se produjeron muchos cambios radicales en la vida de las personas: el aumento del ritmo de las transformaciones tecnológicas e industriales, la rápida expansión de los grandes centros urbanos, el desarrollo de nuevos medios de transporte y comunicación, descubrimientos científicos innovadores como los rayos X y la teoría de la relatividad, el crecimiento del consumismo a gran escala y la escalofriante realidad de la guerra de masas. En este contexto de evolución social, política y tecnológica, el arte occidental también experimentó una serie de cambios radicales.

En el mundo anglosajón, el término “arte nuevo” se utilizó para describir un estilo que cobró importancia alrededor de 1895 y continuó hasta la Primera Guerra Mundial, derivado de la tienda parisina de ese nombre abierta por el empresario de Hamburgo Samuel Bing. Paradójicamente, en Francia se conocía como le style anglais y en Italia, más concretamente, como lo stile Liberty, por los grandes almacenes londinenses que tanto lo promovieron. En los países de habla alemana era Jugendstil (“estilo juvenil”).

Cronología del siglo XX

Movimientos paralelos en Rusia fueron el suprematismo, en el que Kasimir Malevich también creó obras no representativas, especialmente un lienzo negro. El grupo de la Jota de Diamantes, con Mijail Larionov, era de carácter expresionista.

El dadaísmo precedió al surrealismo, donde las teorías de la psicología freudiana condujeron a la representación del sueño y el inconsciente en el arte en la obra de Salvador Dalí. La introducción de Kandinsky en el arte no representativo precedió a la escuela expresionista abstracta estadounidense de los años 50, que incluía a Jackson Pollock, que goteaba pintura sobre el lienzo, y a Mark Rothko, que creaba grandes áreas de color plano. El distanciamiento del mundo de la imagen se invirtió en la década de 1960 con el movimiento del arte pop, especialmente con Andy Warhol, que convirtió la imagen comercial en un elemento básico de las bellas artes. Warhol también minimizó el papel del artista, empleando a menudo ayudantes para realizar sus obras y utilizando medios de producción mecánicos, como la serigrafía. Esto supuso un cambio del modernismo al posmodernismo. El fotorrealismo evolucionó a partir del arte pop y como contrapartida a los expresionistas abstractos.

Categorías de arte

Paul Cezanne fue un pintor postimpresionista francés que inspiró en gran medida el arte del cubismo, el fauvismo y otros estilos de vanguardia. Su expresiva pincelada y el uso del color ponen de relieve el enfoque metódico del artista para representar paisajes y escenas de género. A lo largo de la prolífica carrera de Cezanne, el desnudo se convirtió en un importante tema recurrente. A menudo dibujaba los cuerpos de memoria o de su imaginación, más que de un modelo humano. Las Grandes Bañistas, basadas en su mayoría en su cuadro Bañistas en reposo de 1876-1877, es un ejemplo del trabajo de Cezanne en litografía, poco frecuente en la obra del artista. En 1896-1897, Cezanne realizó esta litografía para el álbum de grabados del marchante Ambroise Vollard. Aunque esta obra es en blanco y negro, existen otras versiones coloreadas a mano de este grabado.

Criado en Francia, el compromiso de Jean Charlot con su fe cristiana fue una constante en su vida y en su práctica artística. Pero la decisión de abandonar Francia -se trasladó a México con su madre en 1920- cambió para siempre su trayectoria artística. Antes del traslado, había desarrollado un gran interés por la historia y la cultura visual de México. Desde muy joven escuchó historias de México y se familiarizó con sus antiguas civilizaciones. Al llegar allí, Charlot vivió en Ciudad de México, pero viajó a otras partes del país.